Institut de Recherche sur la Renaissance, l'âge Classique et les Lumières (IRCL - UMR 5186)


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Arrêt sur scène / Scene Focus
Une revue en ligne bilingue publiée par l'IRCL / A bilingual online journal published by IRCL

 

 

N° 10 - 2021

Arrêt sur scène / Scene Focus
Scènes dans la langue de l’autre (XVIe–XVIIIe s.) / Scenes in the Other’s Language (16th–18th c.)

Dirigé par / Edited by

Sujata Iyengar (University of Georgia) & Nathalie Vienne-Guerrin (Université Paul-Valéry Montpellier 3)


138 pages

Illustration de couverture / Cover illustration : Lucas van Valckenborgh, La Tour de Babel (1594). Musée du Louvre, Inv. RF 2427.
© 2017 RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Michel Urtado

 

Présentation / Presentation

Sommaire / Contents

Résumés et notices bio-bibliographiques / Abstracts and bio-biblios

 

Présentation / Presentation

Ce numéro explore des épisodes du théâtre élisabéthain, de Shakespeare, Marston et Heywood, qui mettent en scène plusieurs idiomes linguistiques, créant ainsi jeux de langues et guerres des langues. Il s’agit d’analyser le potentiel dramatique de ces séquences, mais également les difficultés et spécificités de traduction et de représentation, ainsi que les enjeux, notamment politiques, qui les sous-tendent.

Ce numéro inclut des arrêts sur des scènes de polyglossie issues d’Henry V, de All is Well That Ends Well, de Love’s Labour’s Lost et de Titus Andronicus. Les contributions couplées sur les mêmes pièces (Henry V et Love’s Labour’s Lost notamment) permettent de porter des regards croisés sur les mêmes objets, ce qui est parfaitement dans l’esprit de cette revue qui entend se focaliser sur des séquences abordées à partir de plusieurs points de vue. Ce corpus élisabéthain permet d’aborder de nombreuses questions telles que la spécificité des langues régionales et des dialectes, la conquête linguistique, la langue dominante/dominée, la définition de la langue de « l’autre » à partir de théories contemporaines relatives à la race et au genre. La dernière section aborde la question du passage d’une langue à l’autre sous l’angle de la représentation, témoignant de la fécondité et de l’effet dynamisant et fertilisant de la mise en contact de différentes langues.

This issue explores episodes from the Elizabethan theatre, by Shakespeare, Marston and Heywood, which feature several linguistic idioms, thus creating language games and language wars. The aim is to analyse the dramatic potential of these sequences, but also the difficulties and specificities of translation and performance, as well as the issues – mainly political – underlying them.

This issue focuses on scenes of polyglossia from Henry V, All is Well That Ends Well, Love’s Labour’s Lost and Titus Andronicus. Contributions by different authors on the same plays (Henry V and Love’s Labour’s Lost in particular) allow us to look at the similar matters from various angles. This is in keeping with the spirit of the journal, which aims at offering approaches from several points of view. This Elizabethan corpus makes it possible to address diverse questions, such as the specificity of regional languages and dialects, linguistic conquest, the dominant/dominated language, and definitions of the language of the Other based on contemporary theories of race and gender. The last section addresses the question of the transition from one language to another from the perspective of performance, testifying to the dynamic and cross-fertilizing effect of putting different languages in contact.

Ont participé à ce numéro / Contributors : Amina Askar, Craig Callender, Jennifer Flaherty, Nora Galland, Philip Gilreath, Andrew Hiscock, Sujata Iyengar, Mylène Lacroix, Jean-Christophe Mayer, Nathalie Rivère de Carles, Janice Valls-Russell, Nathalie Vienne-Guerrin

 

Sommaire / Contents

Introduction

Sujata Iyengar (University of Georgia) and Nathalie Vienne-Guerrin (IRCL, UMR 5186, CNRS/Université Paul-Valéry Montpellier 3)

I. Focus on Henry V

Jean-Christophe Mayer (IRCL, UMR 5186, CNRS / Université Paul-Valéry Montpellier 3)
‘I cannot tell wat is dat’: Linguistic Conflict in Shakespeare’s King Henry V
Mylène Lacroix (Université d’Angers)
Leçons de langues dans Henry V
Amina Askar (Université Toulouse 1 Capitole)
Scenes of Linguistic Warfare in Shakespeare’s King Henry V

 

II. Other Shakespeare plays

Nora Galland (Université Côte d’Azur)
Armado or the Other Speaking the Native’s Language: Racialising the Spaniard in Love’s Labour’s Lost
Andrew Hiscock (Bangor University / Research Fellow to IRCL, UMR 5186 CNRS / Université Paul-Valéry Montpellier 3)
‘speak what terrible language you will’: Fooling with the Other in Shakespeare’s All’s Well That Ends Well
Philip Gilreath (University of Georgia)
Props and Prostheses: Lavinia the “speechless complainer”


III. Marston and Heywood

Janice Valls-Russell (IRCL, UMR 5186, CNRS / Université Paul-Valéry Montpellier 3)
‘Dammi un bacio’ and ‘Ulciscar’: Loving in Italian and Killing in Latin in John Marston’s Antonio plays
Nathalie Rivère de Carles (Cultures Anglo-Saxonnes, UR 801, Université Toulouse Jean-Jaurès)
Playing Dumb: Diplomacy and Dramatised Multilingualism in Thomas Heywood’s If you know not me, you know nobody, part 2


IV. Scenes in the Other’s Language in Performance

Jennifer Flaherty and Craig Callender (Georgia College)
Languages of Love: The Swiss Stage Bards’ Love’s Labour’s Lost
Sujata Iyengar (University of Georgia)
Glitchy Language: The Rosetta Theatre Project

 

Pour aller plus loin / Further reading


Henry V
Sujata Iyengar and Nathalie Vienne-Guerrin (eds), Focus on Henry V: Navigating Digital Text, Performance, & Historical Resources, 2019, https://scalar.usc.edu/works/henry-v/index
Charlène Cruxent, ‘Pistol and Monsieur Le Fer: An Anglo-French Encounter’, in Focus on Henry V: Navigating Digital Text, Performance, & Historical Resources, ed. Sujata Iyengar and Nathalie Vienne-Guerrin, 2019, https://scalar.usc.edu/works/henry-v/pistol-and-monsieur-le-fer-an-anglo-french-encounter-by-charlne-cruxent.
Nora Galland, ‘Making & Unmaking National Identity: Race & Ethnicity in Shakespeare’s Henry V’, in Focus on Henry V: Navigating Digital Text, Performance, & Historical Resources, ed. Sujata Iyengar and Nathalie Vienne-Guerrin, 2019, https://scalar.usc.edu/works/henry-v/making--unmaking-national-identity-race--ethnicity-in-shakespeares-henry-v-by-nora-galland
Florence March, ‘The Problematic Reception of ‘Henry V’ in France‘, in Focus on Henry V: Navigating Digital Text, Performance, & Historical Resources, ed. Sujata Iyengar and Nathalie Vienne-Guerrin, 2019, https://scalar.usc.edu/works/henry-v/the-problematic-reception-of-henry-v-in-france-a-case-study-by-florence-march


• Performance
Sarah Hatchuel (RIRRA21, UR 4209, Université Paul-Valéry Montpellier 3), ‘Shakespeare’s Humanizing Language in Films and TV Series’, Borrowers and Lenders, 12(2) (2019): Spring/Summer. https://openjournals.libs.uga.edu/borrowers/article/view/2371

 

Résumés et notices bio-bibliographiques /
Abstracts and bio-biblios

Amina Askar (Université Toulouse 1 Capitole)

Scenes of Linguistic Warfare in Shakespeare’s King Henry V

Résumé
Cet article est une analyse de la langue de « l’autre » dans deux scènes de bataille de Henri V de William Shakespeare. Dans cette pièce, la rencontre de langues nationales, régionales et sociales donne lieu à des conflits linguistiques et interroge l’idée d’une Angleterre unifiée et d’une langue anglaise homogène. En observant de près les concepts de nationalisme et de langue à l’époque de Shakespeare, cet article étudie la manière dont la langue était vue et comment le dramaturge exprimait son opinion sur les langues minoritaires. La scène des capitaines régionaux sur le champ de bataille et la rencontre entre Pistol et le soldat français prisonnier exposent différentes versions de l’altérité linguistique. Nous montrons comment la confusion et la transgression linguistiques causées par les différents accents étrangers ainsi que les idiolectes contribuent à l’humour dans ces deux scènes, mais constituent également une menace et démontrent leur force subversive au projet d’unité nationale et linguistique porté par le roi. En mettant en scène le plurilinguisme, Shakespeare présente des langues en conflit qui racontent leur origine régionale et idéologique et créent un monde où des points de vue différents entrent en dialogue les uns avec les autres.

Abstract
This paper analyses two battle scenes in the Other’s language in Shakespeare’s Henry V. In this play, the encounter of different national, regional, and social languages leads to linguistic conflicts and ultimately questions the idea of a unified England and homogeneous English. By having a closer look at the concepts of nationalism and language of the time, this article explores how language was viewed and how Shakespeare expressed his opinion about the ‘minority’ languages. The regional captains’ scene on the battlefield and the encounter between Pistol and the captured French soldier display different versions of linguistic otherness. This article will show how the linguistic confusion and transgression caused by different foreign accents and distinct idiolects contribute to the humour of the two scenes but also demonstrate their subversive force to the King’s project of nationalistic and linguistic unity. By staging multilingualism, Shakespeare presents conflicting languages that narrate their regional and ideological background and create a world where disparate points of view enter into a dialogue with each other.

Amina Askar est maître de conférences à l’Université Toulouse I Capitole. Ses travaux portent sur le plurilinguisme à l’époque élisabéthaine. Elle s’intéresse notamment à l’évolution de la langue vernaculaire aux XVIe et XVIIe siècles, au rôle qu’elle joue pour la naissance de la nation anglaise et à la fonction dramaturgique du plurilinguisme dans les pièces historiques de Shakespeare.

Amina Askar is a lecturer at the University of Toulouse I Capitole. Her research focuses on multilingualism in the Elizabethan period. She is particularly interested in the evolution of the vernacular language in the 16th and 17th centuries, the role it plays in the birth of the English nation, and the dramaturgical function of multilingualism in Shakespeare’s history plays.

 

 

Craig Callender (Georgia College)

Languages of Love: The Swiss Stage Bards’ Love’s Labour’s Lost

Résumé
Le film Love’s Labour's Lost produit par l’Université de Fribourg est construit sur le concept de la variété linguistique. Le film a été produit par les Swiss Stage Bards, troupe qui traduit Shakespeare dans toutes les langues officielles de la Suisse (allemand, français, italien) sous la direction d’Elisabeth Dutton, tissant ces langues avec l’anglais de Shakespeare dans des films qui passent facilement d’une langue à l’autre. Le film, qui se déroule et est filmé à l’Université de Fribourg, met en évidence l’utilisation de la variété linguistique de la Suisse pour souligner des facettes des personnages et de l’intrigue par des changements de langue et des échanges de codes.
La compagnie trouve un équilibre entre une traduction minutieuse et subtile qui tire parti des motifs répétitifs de la langue de Shakespeare et l’utilisation de l’humour, de la musique et des gestes tout au long du film pour créer un Shakespeare local qui peut être compris dans un contexte mondial. Alors que la mise en scène repose sur la complexité linguistique, les Swiss Stage Bards utilisent la musique, le geste, le costume et la répétition pour aider les spectateurs à suivre l’intrigue même s’ils ne peuvent pas comprendre les langues avec la même facilité que les personnages. En utilisant Shakespeare et les langues pour explorer les défis de l’amour et de la communication, le film démontre comment le langage peut établir la solidarité, créer la distance, affirmer le pouvoir et construire des liens.

Abstract
The Love’s Labour’s Lost film produced by the University of Fribourg is built on the concept of linguistic variety. The film was produced by the Swiss Stage Bards, a performance group that translates Shakespeare into all of the dominant languages of Switzerland (German, French, Italian) under the direction of Elisabeth Dutton, weaving those languages together with Shakespeare’s English into films that shift easily back and forth between different languages. Set and filmed at the University of Fribourg, the film highlights using the linguistic variety of Switzerland to highlight aspects of character and plot through language changes and codeswitching.
The company balances careful and subtle translation that takes advantage of the repetitive patterns in Shakespeare’s language with the use of humour, music, and gesture throughout the film to create a distinctly local Shakespeare that can be understood in a global context. While the production is defined by linguistic complexity, the Swiss Stage Bards use music, gesture, costume, and repetition to help audiences follow the plot even if they cannot understand the shifting languages with the same ease that the characters do. Using Shakespeare and languages to explore the challenges of love and communication, the film demonstrates how language can establish solidarity, create distance, assert power, and build connections.

Craig Callender est Associate Professor de linguistique au Georgia College. Spécialiste de linguistique historique et phonologue, il travaille sur les langues germaniques, dont l’anglais. Il a obtenu son doctorat en linguistique à l’Université de Caroline du Sud, et ses recherches portent principalement sur l’évolution des systèmes sonores dans les langues germaniques, où il s'intéresse à la façon dont la dialectologie comparative peut aider à la reconstruction des processus historiques. Il a publié des articles sur ce sujet dans des revues de linguistique, dont North-Western European Language Evolution. Il co-dirige également le European Council Summer Study-Abroad Program in Berlin pour l’University System of Georgia.

Craig Callender is an Associate Professor of Linguistics at Georgia College. He is a historical linguist and phonologist who works on Germanic languages, including English. He received his Ph.D in Linguistics from the University of South Carolina, and his research is primarily on the evolution of sound systems in Germanic languages, where he is interested in how comparative dialectology can aid in the reconstruction of historical processes. He has published on the topic in linguistics journals, including North-Western European Language Evolution. He also co-directs the European Council Summer Study-Abroad Program in Berlin for the University System of Georgia.

 

 

Jennifer Flaherty (Georgia College)

Languages of Love: The Swiss Stage Bards’ Love’s Labour’s Lost

Résumé
Le film Love’s Labour's Lost produit par l’Université de Fribourg est construit sur le concept de la variété linguistique. Le film a été produit par les Swiss Stage Bards, troupe qui traduit Shakespeare dans toutes les langues officielles de la Suisse (allemand, français, italien) sous la direction d’Elisabeth Dutton, tissant ces langues avec l’anglais de Shakespeare dans des films qui passent facilement d’une langue à l’autre. Le film, qui se déroule et est filmé à l’Université de Fribourg, met en évidence l’utilisation de la variété linguistique de la Suisse pour souligner des facettes des personnages et de l’intrigue par des changements de langue et des échanges de codes.
La compagnie trouve un équilibre entre une traduction minutieuse et subtile qui tire parti des motifs répétitifs de la langue de Shakespeare et l’utilisation de l’humour, de la musique et des gestes tout au long du film pour créer un Shakespeare local qui peut être compris dans un contexte mondial. Alors que la mise en scène repose sur la complexité linguistique, les Swiss Stage Bards utilisent la musique, le geste, le costume et la répétition pour aider les spectateurs à suivre l’intrigue même s’ils ne peuvent pas comprendre les langues avec la même facilité que les personnages. En utilisant Shakespeare et les langues pour explorer les défis de l’amour et de la communication, le film démontre comment le langage peut établir la solidarité, créer la distance, affirmer le pouvoir et construire des liens.

Abstract
The Love’s Labour’s Lost film produced by the University of Fribourg is built on the concept of linguistic variety. The film was produced by the Swiss Stage Bards, a performance group that translates Shakespeare into all of the dominant languages of Switzerland (German, French, Italian) under the direction of Elisabeth Dutton, weaving those languages together with Shakespeare’s English into films that shift easily back and forth between different languages. Set and filmed at the University of Fribourg, the film highlights using the linguistic variety of Switzerland to highlight aspects of character and plot through language changes and codeswitching.
The company balances careful and subtle translation that takes advantage of the repetitive patterns in Shakespeare’s language with the use of humour, music, and gesture throughout the film to create a distinctly local Shakespeare that can be understood in a global context. While the production is defined by linguistic complexity, the Swiss Stage Bards use music, gesture, costume, and repetition to help audiences follow the plot even if they cannot understand the shifting languages with the same ease that the characters do. Using Shakespeare and languages to explore the challenges of love and communication, the film demonstrates how language can establish solidarity, create distance, assert power, and build connections.

Jennifer Flaherty est Associate Professor en études Shakespeariennes au Georgia College. Elle a co-édité The Taming of the Shrew: The State of Play (Bloomsbury Arden, 2021) avec Heather C. Easterling. Elle travaille actuellement à l’édition Liberating Shakespeare: Adaptation, Trauma, and Empowerment for Young Adult Audiences, avecDeborah Uman, projet de livre qui est lié thématiquement à la subvention accordée par le National Endowment for Humanities, pour organiser une école d’été en 2022, destinée aux enseignants du secondaire, sur les adaptations des tragédies de Shakespeare. Ses recherches portent sur l’adaptation, « Global Shakespeare », et l’enfance des filles. Ses publications incluent des chapitres dans les ouvrages Shakespeare and Millennial Fiction (Cambridge), Shakespeare and Geek Culture (Bloomsbury Arden), et Shakespeare and Global Appropriation (Routledge). Elle a également publié dans des revues telles que Borrowers and Lenders, Interdisciplinary Literary Studies, Comparative Drama, and Shakespeare Bulletin.

Jennifer Flaherty is an Associate Professor of Shakespeare Studies at Georgia College. She co-edited The Taming of the Shrew: The State of Play (Bloomsbury Arden, 2021) with Heather C. Easterling. She is currently working on the collection Liberating Shakespeare: Adaptation, Trauma, and Empowerment for Young Adult Audiences with Deborah Uman, a book project that is linked thematically with their grant from the National Endowment for the Humanities to host a summer institute in 2022 for high school teachers about adaptations of Shakespeare’s tragedies. Her research emphasises adaptation, global Shakespeare, and girlhood, and her publications include chapters in the volumes Shakespeare and Millennial Fiction (Cambridge), Shakespeare and Geek Culture (Bloomsbury Arden), and Shakespeare and Global Appropriation (Routledge). She has also published in journals such as Borrowers and Lenders, Interdisciplinary Literary Studies, Comparative Drama, and Shakespeare Bulletin.

 

 

Nora Galland (Université Côte d’Azur)

Armado or the Other Speaking the Native’s Language: Racialising the Spaniard in Love’s Labour’s Lost

Résumé
Dans Peines d’Amour Perdues, Armado est le seul étranger et il vit parmi les natifs. De son point de vue, il parle la langue de l’autre tout au long de la pièce dans la mesure où l’anglais n’est pas sa première langue. Sur scène, les personnages se moquent de ses erreurs linguistiques, ses archaïsmes, ses néologismes, sa prose inintelligible, et invitent le public à se moquer de lui également. Armado est tourné en ridicule car il parle un anglais incongru qui désarçonne et divertit les locuteurs natifs. Il est racisé à travers son usage de l’anglais, marqué par des barbarismes. En tant que locuteur non-natif, Armado aliène la langue anglaise en la marquant de son identité espagnole ; dans sa bouche, l’anglais devient une langue grandiloquente, fantastique, prétentieuse et hermétique. Armado est catégorisé comme le soldat fanfaron ou le type italien du Capitano, de la Commedia Dell’Arte. Shakespeare s’inspire de la tradition théâtrale italienne dans sa composition du personnage de l’Espagnol. Cet article se propose d’examiner dans quelle mesure il est possible de parler d’humour raciste ou ethnique quant à la marginalisation d’Armado comme dindon de la farce dans la pièce. Il s’agit d’explorer l’articulation du langage et de l’identité nationale à travers le personnage d’Armado.

Abstract
In Love’s Labour’s Lost, Armado is the only foreigner – a resident alien – living among the native people. From his own point of view, he speaks the Other’s language throughout the play because English is not his first language. Characters on stage laugh at his linguistic mistakes, use of archaisms, neologisms, and unintelligible prose, and invite the audience to mock him as well. Armado is turned into ridicule for speaking an incongruous kind of English that bewilders and entertains the native speakers. He is racialised through his use of English marked by barbarisms. As a non-native speaker, Armado alienates the English language by marking it with his Spanishness – in his mouth, English is turned into a bombastic, fantastical, pretentious, and hermetic language. Moreover, Armado is also typecast as the braggart soldier or the Italian stock character of Il Capitano from the Commedia Dell’Arte. Shakespeare draws on the representation of the Spaniard from the Italian dramatic tradition. This paper aims at examining the extent to which we can speak of ethnic or racist humour concerning the way Armado is marginalised as the butt of the joke in the play. The issue at stake is to explore the articulation of language and national identity through the character of Armado.

Nora Galland est l’auteure d’une thèse, spécialisée dans le théâtre anglais des XVIe et XVIIe siècles, et professeure agrégée d’anglais. Elle travaille comme ATER à l’Université Côte d’Azur à Nice. Elle est rattachée au Centre Transdisciplinaire d’Épistémologie de la Littérature et des Arts Vivants (CTEL), EA 1758. Sa thèse de doctorat intitulée « Déclinaisons de l’injure raciste dans le théâtre anglais des XVIe et XVIIe siècles », et co-dirigée par Nathalie Vienne-Guerrin (PR) et Jean-Christophe Mayer (Directeur de Recherche CNRS), sera soutenue en décembre 2021 à l’Université Paul Valéry-Montpellier 3. Elle s’intéresse à la construction de la race dans la première modernité, mais aussi plus généralement à la dialectique de l’identité et de l’altérité, notamment par le prisme de l’injure. Elle a publié dans Cahiers Élisabéthains, L’Œil du spectateur et Cahiers Shakespeare en devenir. Ses recherches abordent également les mises en scène, adaptations et appropriations contemporaines des pièces de Shakespeare.

Nora Galland has written a Ph.D in early modern English literature and teaches English (as professeure agrégée) working as a Teaching Assistant at the University Côte d’Azur in Nice, France. She is a member of the Transdisciplinary Center for Epistemology of Literature and Living Arts (CTEL), EA 1758. Her doctoral thesis, entitled ‘Types of Racist Insult in Early Modern English Drama’ and co-supervised by Nathalie Vienne-Guerrin (Professor) and Jean-Christophe Mayer (Research Professor, CNRS), will be defended in December 2021 at the University of Paul Valéry Montpellier 3. She is interested in the construction of race in the early modern period, and more generally in the dialectics of identity and alterity, for instance through the prism of the insult. She published in Cahiers Élisabéthains, L’Œil du spectateur and Cahiers Shakespeare en devenir. Her research also explores contemporary performances, adaptations, and appropriations of Shakespeare’s plays.

 

 

Philip Gilreath (University of Georgia)

Props and Prostheses: Lavinia the ‘speechless complainer’

Résumé
Cet article examine l’utilisation d’accessoires et de prothèses par Lavinia dans Titus Andronicus, Act 4, de William Shakespeare. L’auteur soutient que la mutilation de Lavinia et les tentatives qu’elle fait ensuite pour communiquer incarnent les effets de désindividualisation de l’imitation rhétorique. En plus d’enquêter sur l’utilisation par Shakespeare des références ovidiennes, cet article étudie les sources de Shakespeare pour l’intraduisible mot latin « stuprum ». Terme juridique romain désignant la violation et l’outrage sexuels, stuprum n’a pas d’équivalent en anglais. Le mot fait tomber les frontières sémantiques entre le viol, la séduction et l’adultère, ainsi que la vierge et la veuve, l’homme et la femme. Cet article examine ainsi comment l’imitation, la citation et le latin non traduit travaillent ensemble pour dépersonnaliser les capacités expressives de Lavinia, alors même qu’ils représentent ses seuls moyens de communication.

Abstract
This article examines Lavinia’s use of props and prostheses in William Shakespeare’s Titus Andronicus, Act 4. The author argues that Lavinia’s mutilation and subsequent attempts to communicate embody the deindividuating effects of rhetorical imitation. In addition to investigating Shakespeare’s use of Ovidian references, this article investigates Shakespeare’s sources for the untranslated Latin word ‘stuprum’. A Roman legal term for sexual violation and disgrace, stuprum has no equivalent in English: the word collapses the semantic boundaries between rape, seduction, and adultery, as well as virgin and widow, male and female. This article thus examines how imitation, citation, and the untranslated Latin work together to depersonalize Lavinia’s expressive abilities, even as they represent her only outlets for communication.

Philip Gilreath étudie la littérature anglaise à l'Université de Géorgie, É-U. Ses intérêts de recherche incluent William Shakespeare, la théorie de l'adaptation et la littérature et l'environnement.

Philip Gilreath is a doctoral candidate at the University of Georgia, USA. His research interests include William Shakespeare, adaptation theory, and literature and the environment.

 

 

Andrew Hiscock (Bangor University / IRCL, UMR 5186 CNRS et Université Paul-Valéry Montpellier 3)

‘speak what terrible language you will’: Fooling with the Other in Shakespeare’s All’s Well That Ends Well

Résumé
En s’appuyant sur les débats théoriques de la première modernité et de la période contemporaine au sujet de la langue et de la cohésion sociale, cette contribution explore les moyens par lesquels l’une des « problem plays » de Shakespeare, All’s Well That Ends Well, construit les idées de la Communauté et de l’Autre. Tout en se concentrant sur la première scène de l’Acte 4 de la comédie « amère » de Shakespeare, un regard particulier est accordé aux implications nombreuses de la violence verbale pour stimuler des effets comiques (entre autres) dans cette mise-en-scène théâtrale du campement militaire. Au cœur de cet article se trouve le personnage de Paroles (ou paroles) humilié, interprétant ses pitreries ambiguës et ses rôles discordants dans l’intrigue. Cet article se termine par une réflexion sur les conséquences de l’acte de parole aussi bien que sur les rôles du spectateur et de la victime lorsque l’Autre s’incarne par le langage.

Abstract
Drawing upon modern and early modern theorising on the question of language use and the cultural project of social cohesion, this paper focuses upon the construction of Community and the Other through language in one of Shakespeare’s ‘problem’ plays, All’s Well That Ends Well. Concentrating upon the first scene from Act 4 of Shakespeare’s bitter comedy, particular attention is given to the many and various implications of verbal violence for comic and other purposes in this theatrical staging of the military encampment. At the heart of this presentation lies the humiliated Paroles (words) with his ambiguous foolery and discordant roles in the intrigue. The article closes reflecting on the implications of the speech act, the witness and the victim when the Other is embodied through language.

Andrew Hiscock est Doyen, Professeur de littératures de la première modernité à l’université de Bangor au Pays de Galles et chercheur associé à l’Institut de Recherche sur la Renaissance, l’âge Classique et les Lumières ((IRCL, UMR5186 CNRS) à l’Université Paul-Valéry Montpellier 3. Il est Fellow de l’English Association et a publié de nombreux ouvrages sur la littérature anglaise et française de la première modernité. Il est co-éditeur de la série Arden Early Modern Drama Guides et membre du conseil de la Modern Humanities Research Association. Ses monographies incluent Reading Memory in Early Modern Literature (2011) et The Uses of this World: Thinking Space in Shakespeare, Marlowe, Cary and Jonson (2004). Sa monographie à paraître s’intitule Shakespeare, Violence and Early Modern Europe (2022, Cambridge University Press).

Andrew Hiscock is Dean and Professor of Early Modern Literatures at Bangor University, Wales, and Research Fellow at the Institute for Research on the Renaissance, the Neo-classical Age and the Enlightenment (IRCL, UMR5186 CNRS) at the University of Paul Valéry Montpellier 3. He is a Fellow of the English Association and has published widely on English and French early modern literature. He is series co-editor for the Arden Early Modern Drama Guides and a trustee of the Modern Humanities Research Association. His monographs include Reading Memory in Early Modern Literature (2011) and The Uses of this World: Thinking Space in Shakespeare, Marlowe, Cary and Jonson (2004). His forthcoming monograph is entitled Shakespeare, Violence and Early Modern Europe (2022, Cambridge University Press).

 

 

Sujata Iyengar (University of Georgia)

Introduction

Résumé
Cette introduction contextualise la publication de ce numéro et en présente les dix contributions.

Abstract
This introduction contextualises the publication of this issue and presents its ten contributions.

 

Glitchy Language: The Rosetta Theatre Project

Résumé
Cet article étudie le Rosetta Theater Project, installation immersive, multimédia et multilingue réalisée à l’Université de Georgia (2018), dans laquelle deux acteurs en direct, qui portaient des combinaisons de capture du mouvement, et des acteurs de doublage ont présenté deux courtes scènes de Molière et Shakespeare qui étaient simultanément transformées sur quatre supports informatiques différents, avec des décors actuels et historiques, diffusées sur quatre grands écrans derrière les acteurs, eux-mêmes en direct. Les premiers textes de Shakespeare et de Molière ont été enregistrés en français et en anglais ; on a traduit Molière en pastiche Shakespearien et on a présenté la traduction Shakespearienne de Victor Hugo. Enfin, on a traduit ces scènes en langue idiomatique du XXIe siècle. En plus de ce mélange polyglotte et transhistorique, une langue extra-textuelle a émergé : la langue des « bugs » (glitches). Les « bugs », dans l’usage courant, sont des erreurs ou des défaillances de systèmes électroniques, délibérément adoptées par les praticiens de l’art dit « glitch art » et étudiées le cadre de la théorie « glitch ». Paradoxalement, cependant, les problèmes informatiques ont rendu visible – et opportun – un nouveau sous-texte pour les deux scènes. Indésirables et importuns, ces grossiers « bugs » derrière les acteurs qui jouaient en direct ont paradoxalement transformé les animations d’ordinateur en de nouvelles façons de jouer de vieilles pièces de théâtre et ont induit une prise de conscience accrue de préoccupations actuelles.

Abstract
This article discusses the Rosetta Theatre Project, an immersive, multimedia, multilingual installation at the University of Georgia (2018) in which two live actors in motion-capture suits and recorded voice actors presented two short scenes from Molière and Shakespeare that were simultaneously remediated into four different computer environments with present-day and historical settings and shown on four large display screens behind the live actors themselves. Recorded, native English and French speakers voiced Shakespeare’s and Molière’s early texts, Molière translated into a pastiche of Shakespearean blank verse, Victor Hugo’s translation of Shakespeare, and ‘translations’ of Shakespeare’s and Molière’s words to 21st-century, idiomatic speech. In addition to this polyglot, transhistorical mélange, an extra-textual language emerged: the language of ‘glitches’. Glitches, in common usage, are errors or failures of electronic systems, qualities deliberately adopted by the practitioners of so-called glitch art and discussed in art criticism as glitch theory. Paradoxically, however, the computer glitches made visible – and timely – a new subtext for both scenes. Unwanted and unseemly, these crude video glitches behind the living, breathing actors paradoxically transformed the rough computer animations into fresh ways of experiencing old drama and a heightened awareness of topical concerns.

Sujata Iyengar est Professeure de littérature de la Renaissance anglaise à l’Université de Georgia, USA, spécialiste de l’adaptation shakespearienne, de la race dans l’Angleterre de la première modernité et d’histoire du livre. Elle a notamment écrit Shades of Difference: Mythologies of Skin Color in Early Modern England (Penn, 2005); Shakespeare’s Medical Language (Bloomsbury, 2011); Disability, Health, and Happiness in the Shakespearean Body (Routledge, 2015), et, a édité, avec Miriam Jacobson et feue Christy Desmet, The Routledge Handbook to Shakespeare and Global Appropriation (2020). Elle écrit actuellement deux ouvrages, Shakespeare and Adaptation Theory (Bloomsbury, sous contrat) et Shakespeare and the Art of the Book.

Sujata Iyengar is Professor of English Renaissance literature at the University of Georgia, USA, where she specializes in Shakespearean adaptation, race in early modern England, and book history. Major publications include Shades of Difference: Mythologies of Skin Color in Early Modern England (Penn, 2005); Shakespeare’s Medical Language (Bloomsbury, 2011); Disability, Health, and Happiness in the Shakespearean Body (Routledge, 2015), and (with Miriam Jacobson and the late Christy Desmet) The Routledge Handbook to Shakespeare and Global Appropriation (2020). She is currently writing two books, Shakespeare and Adaptation Theory (Bloomsbury, under contract) and Shakespeare and the Art of the Book.

 


Mylène Lacroix (Université d’Angers, CIRPaLL)

Leçons de langues dans Henry V

Cet article examine deux scènes faisant une large incursion « dans la langue de l’autre » : elles sont tirées d’Henri V (1599) de Shakespeare, dernier volet et point d’orgue d’une vaste saga historique couvrant près d’un siècle d’histoire anglaise. La première scène (iii.iv) est une leçon de langue pour le moins insolite dispensée à la jeune princesse de France (Catherine de Valois) par sa dame de compagnie (Alice), tout aussi divertissante qu’incompétente. La seconde (v.ii) est tirée de la fin de la pièce : on y surprend le roi anglais Henri faisant sa cour à Catherine dans un dialogue dont l’hybridité linguistique est particulièrement savoureuse. Dans chacune de ces scènes, la langue de l’autre est comiquement estropiée, et le passage d’une langue à l’autre est quant à lui délicieusement transgressif. Nous verrons que ces épisodes franco-anglais mettent tous deux en scène une situation d’apprentissage inattendue : dans cette perspective, je propose de les lire comme un tout cohérent, le premier servant en quelque sorte de prélude au second.

Abstract
This paper examines two scenes that make a deep incursion into the Other’s Language: they are taken from Shakespeare’s Henry V (1599), the conclusion and climax of a long-running historical saga which covers almost a century of English history. The first scene (iii.iv) is a most unusual language lesson attended by the young French princess Catherine de Valois and taught by her waiting-woman Alice, who shall prove as entertaining as she is incompetent. The second scene (v.ii) is drawn from the end of the play and depicts the English king Henry wooing the Princess Catherine in a dialogue whose linguistic hybridity is particularly delectable. In each of those scenes the Other’s Language is comically mangled, and the passage from one language to the other is delightfully transgressive. We shall see that those Anglo-French episodes both present an unexpected learning situation – I offer to treat them as a coherent unit, the first scene constituting a sort of prelude to the second.

Mylène Lacroix est maîtresse de conférences en littérature anglaise et en traduction à l’Université d’Angers. Elle est l’auteur d’une thèse de doctorat intitulée « Les mots étrangers dans le théâtre de Shakespeare » (2016) et de plusieurs articles et chapitres consacrés à Henry V, The Merry Wives of Windor, The Winter’s Tale, à la traduction shakespearienne, ainsi qu’à la pratique de l’hétérolinguisme dans l’œuvre du dramaturge. Plus récemment, elle s’est consacrée à l’étude du « substrat pornographique » des Sonnets.

Mylène Lacroix is Associate Professor of English at the University of Angers where she teaches translation and Renaissance literature. She is the author of a doctoral thesis on foreign words in Shakespeare’s drama (2016) and she has published several articles and book chapters on Henry V, The Merry Wives of Windsor, The Winter’s Tale, as well as Shakespearean translation and the question of heterolingualism in the playwright’s works. More recently, she has been working on the ‘pornographic substrate’ of Shakespeare’s writing in the Sonnets.

 

 

Jean-Christophe Mayer (IRCL, UMR 5186, CNRS / Université Paul-Valéry Montpellier 3

‘I cannot tell wat is dat’: Linguistic Conflict in Shakespeare’s King Henry V

Résumé
Henri V de Shakespeare est un texte linguistiquement complexe et conflictuel. Comme l’a signalé l’un de ses plus récents éditeurs, « Aucune pièce de Shakespeare ne fait autant appel aux différences de langage et ne présente autant de barrières linguistiques ». La pièce représente bien plus qu’une confrontation anglo-française vue sous un angle anglais. Elle anatomise le concept de nation, qui apparaît, d’une part, glissant, ambivalent et fluide, d’autre part empreint de chauvinisme et rigide. Henri V est idéal pour étudier les scènes dans la langue de l’autre, ainsi que l’altérité et la différence. Les deux scènes sur lesquelles cet article se concentre principalement – la scène écrite presque entièrement en français (iii.v), au cours de laquelle la princesse Katherine de France tente d’apprendre quelques rudiments d’anglais de sa servante Alice, et la scène de cour entre Henri V et la princesse où Alice joue en partie le rôle d’interprète entre les deux (v.ii) – exploitent et exposent des failles linguistiques et culturelles. Ces deux scènes résument bon nombre des problèmes présents dans la pièce dans son ensemble. De plus, tout en questionnant l’idée d’extranéité par le biais d’un jeu linguistique spécifique, elles remettent en cause la notion même de division scénique shakespearienne de manière théâtralement productive.

Abstract
Shakespeare’s Henry V is unique in the way that it is a linguistically troubled and conflicted piece of writing. As one of its most recent editors put it, ‘No play of Shakespeare’s makes so much use of differences in language and has more language barriers’. The play is much more than an Anglo-French confrontation seen from an English angle. It anatomises the concept of nationhood: it is slippery, ambivalent, and fluid on the one hand, jingoistic and rigid on the other. Henry V is ideal when it comes to studying scenes in the Other’s language, as well as otherness and alterity. The two scenes this article mainly focuses on – the scene almost entirely in French (iii.v), during which Princess Katherine of France tries to learn a few rudiments of English from her servant Alice, and the wooing scene between Henry V and the Princess where Alice acts partly as an interpreter between the two (v.ii) – exploit and expose linguistic and cultural faultlines. Both scenes encapsulate many of the issues of the play at large. Moreover, while questioning the idea of foreignness through specific linguistic interplay, they challenge the very notion of Shakespearean scenic division in theatrically productive ways.

Jean-Christophe Mayer est Directeur de Recherche au Centre national de la recherche scientifique (CNRS). Il est membre de l’Institut de Recherche sur la Renaissance, l’âge Classique et les Lumières (IRCL, UMR5186 CNRS) de l’Université Paul-Valéry Montpellier 3. Il a beaucoup publié sur Shakespeare et ses contemporains et a notamment édité Representing France and the French in Early Modern English Drama (University of Delaware, 2008). Il est l’auteur de Shakespeare’s Hybrid Faith: History, Religion and the Stage (Palgrave Macmillan, 2006) et Shakespeare et la postmodernité : essais sur l’Auteur, le Religieux, l’Histoire et le Lecteur (Peter Lang, 2012). Sa dernière monographie s’intitule Shakespeare’s Early Readers: A Cultural History from 1590 to 1800 (Cambridge University Press, 2018). Depuis 2009 il est co-directeur de la revue Cahiers Élisabéthains. Depuis 2017, il est expert pour la Commission européenne dans le domaine des sciences humaines.

Jean-Christophe Mayer is a Research Professor employed by the French National Centre for Scientific Research (CNRS). He is a member of the Institute for Research on the Renaissance, the Neo-classical Age and the Enlightenment (IRCL, UMR5186 CNRS) at the University of Paul Valéry Montpellier 3. He has published extensively on Shakespeare and his contemporaries and has notably edited Representing France and the French in Early Modern English Drama (Delaware, 2008). He is the author of Shakespeare’s Hybrid Faith: History, Religion and the Stage (Palgrave Macmillan, 2006) and Shakespeare et la postmodernité : essais sur l’Auteur, le Religieux, l’Histoire et le Lecteur (Peter Lang, 2012). His latest monograph is entitled Shakespeare’s Early Readers: A Cultural History from 1590 to 1800 (Cambridge University Press, 2018). Since 2009 he has been co-editor in chief of Cahiers Élisabéthains. Since 2017, he has been an expert for the European Commission in the field of humanities.

 

 

Nathalie Rivère de Carles (Cultures Anglo-Saxonnes, UR 801, Université Toulouse Jean-Jaurès)

Playing Dumb: Diplomacy and Dramatised Multilingualism in Thomas Heywood’s If you know not me, you know nobody, part 2

Résumé
Cette étude des scènes diplomatiques dans If you know not me, you know no bodie or The Troubles of the Queene Elizabeth de Thomas Heywood (1605) au prisme de The Perfect Ambassadour (1578) de Francis Thynne et L’ambassadeur de Jean Hotman (1603) a pour but d’étudier la culture linguistique de la première modernité anglaise en termes de conflits mais aussi de solidarités et d’identités collectives (Peter Burke, 2006). L’analyse du multilinguisme diplomatique fondé sur le Latin d’Heywood permet d’explorer la délocalisation politique de la langue de l’autre et sa relocalisation sur la scène théâtrale. Elle permet d’interroger la difficile construction d’une ontologie anglaise alternant absorption et défiance. Le miroir théâtral met alors en scène l’ambivalence anglaise quant aux concepts de communautés et de bien commun. Cette discussion commence par l’étude du multilinguisme dans le champ diplomatique à partir du texte de Thynne et pose le latin utilisé par Élisabeth Ière comme un objet d’un proto soft power. L’article émet l’hypothèse que le transfert à la scène du multilinguisme diplomatique de la souveraine participe d’une stratégie culturelle qui temps à transformer l’altérité diplomatique en langue familière du spectateur anglais. Enfin, il montre que le semblant de concorde contenu dans le multilinguisme diplomatique élisabéthain est tant coercitif qu’inefficace de par son immodération latente.

Abstract
Contrasting Thomas Heywood’s diplomatic scenes in If you know not me, you know no bodie or The Troubles of the Queene Elizabeth (1605), with Francis Thynne’s The Perfect Ambassadour (1578) and Jean Hotman’s The Ambassador (1603), this study considers, with Peter Burke, language culture ‘in terms of linguistic, cultural, and social conflicts as well as of collective solidarities and identities’. It approaches languages in terms of communities as loci of construction and reconstruction of national and territorial identities. Observing Heywood’s Latin-based diplomatic multilingualism, this article examines the process of delocalizing one’s language into a linguistic other and its physical re-localizing on the stage. It probes how diplomatic multilingualism reflects the difficult construction of the English self at the turn of the seventeenth century in terms of absorptiveness and defiance. It analyses how it dramatises the English ambivalence regarding the concepts of community and commonwealth. The first section examines the use of foreign languages in early modern English diplomacy and posits that, after Thynne’s reflection on diplomatic multilingualism, Elizabeth’s Latin should be construed as an object of a proto soft power. Heywood’s transfer of Elizabeth’s diplomatic multilingualism on the stage partakes of a cultural strategy. Thus the article shows how Heywood paradoxically recreates diplomatic otherness as local language. Lastly, it assesses the concord provided by Elizabeth’s stage multilingualism as coercive and potentially inefficient if not handled with measure.

Nathalie Rivère de Carles est maîtresse de conférence en théâtre et culture diplomatique de la Renaissance anglaise à l’Université Toulouse Jean-Jaurès. Elle est l’auteur d’études sur l’histoire théâtrale anglaise et sur les rapports théâtre et diplomatie à la Renaissance, telles que Early Modern Diplomacy, Theatre and Soft Power: The Making of Peace (Palgrave, 2016) et ‘Diplomatic Parrhesia and the Ethos of Trustworthiness in Hotman’s The Ambassador and Shakespeare’s Henry V’(Journal of Medieval and Early Modern Studies, Duke University Press, 2020). Elle a récemment co-édité le numéro consacré aux gestes de la diplomatie de Legatio: The Journal for Renaissance and Early Modern Diplomatic Studies (PAN, 2021).

Nathalie Rivère de Carles is an Associate Professor in Early Modern English Drama and Diplomatic Culture at Université Toulouse Jean-Jaurès. She authored books and articles on theatre history, early modern theatre and history, and theatre and diplomacy, such as Early Modern Diplomacy, Theatre and Soft Power: The Making of Peace (Palgrave, 2016) and ‘Diplomatic Parrhesia and the Ethos of Trustworthiness in Hotman’s The Ambassador and Shakespeare’s Henry V’ (Journal of Medieval and Early Modern Studies, Duke University Press, 2020) and co-edited the issue on ‘Gestures of Diplomacy’ of Legatio: The Journal for Renaissance and Early Modern Diplomatic Studies (PAN, 2021).

 

 

Janice Valls-Russell (IRCL, UMR 5186, CNRS / Université Paul-Valéry Montpellier 3)

‘Dammi un bacio’ and ‘Ulciscar’: Loving in Italian and Killing in Latin in John Marston’s Antonio plays

Résumé
Le recours à des langues comme le français et l’italien dans le théâtre principalement anglophone de la première modernité britannique offre des opportunités pour créer des scènes dans la langue de l’autre, comme dans Henri V. Ces langues, tout comme le latin, permettent aussi d’imaginer des rencontres dans une langue autre que celle habituellement parlée (sur scène) par les personnages, et d’explorer ainsi la métathéâtralité de l’art dramatique. C’est à cette seconde utilisation, moins souvent abordée dans les études sur les langues dans le théâtre de la première modernité, que cet article s’intéresse, en analysant l’utilisation de l’italien et plus spécialement du latin, principalement dans Antonio et Mellida, de John Marston, et sa suite, Antonio’s Revenge, avec une évocation de La Mégère apprivoisée de Shakespeare. L’étude de leur impact dramatique et de leur contribution à l’esthétique des pièces s’accompagne d’une réflexion sur la façon dont les scènes comportant des passages dans une langue peu familière comme le latin sont représentées aujourd’hui. Les mises en scène abordées sont Cymbeline, créé par Melly Still pour la Royal Shakespeare Company en 2016, et La Vengeance d’Antonio, créé par Perry Mills pour Edward’s Boys en 2011.

Abstract
The use of languages such as French and Italian in the predominantly Anglophone theatre of early modern Britain offers opportunities to stage scenes in the Other’s language, as in Henry V. Those languages and Latin can also serve to craft encounters in a language other than the one habitually spoken (onstage) by the characters and to explore thereby the metatheatricality of drama. Focusing on the use of Italian and more especially Latin, principally in John Marston’s Antonio and Mellida and its sequel, Antonio’s Revenge, with a side-glance at Shakespeare’s The Taming of the Shrew, this article examines a selection of such instances, which are less frequently considered in discussions of languages on the early modern stage. The study of their dramatic impact and contribution to the aesthetics of the plays is framed by reflections on the way scenes that include passages in an unfamiliar language such as Latin may be performed on the present-day stage. Productions discussed include Melly Still’s Cymbeline for the Royal Shakespeare Company in 2016 and Perry Mills’s Antonio’s Revenge for Edward’s Boys in 2011.

Janice Valls-Russell est ingénieur de recherche au Centre national de la recherche scientifique (CNRS), et membre de l’Institut de recherche sur la Renaissance, l’âge Classique et les Lumières (IRCL UMR5186 CNRS), unité mixte de recherche du CNRS et de l’Université Paul-Valéry Montpellier 3. Elle s’intéresse à la réception de l’Antiquité dans l’Angleterre de la première modernité, et à la réception de Shakespeare et ses contemporains aux XXe-XXIe siècles. Coordinatrice du projet www.shakmyth.org, elle a publié des articles et chapitres d’ouvrages, et co-dirigé plusieurs volumes, dont Interweaving Myths in Shakespeare and His Contemporaries, avec Charlotte Coffin and Agnès Lafont (Manchester University Press, 2017), Thomas Heywood and the Classical Tradition, avec Tania Demetriou (Manchester University Press, 2020) et Shakespeare’s Others in 21st-century European Performance: The Merchant of Venice and Othello, avec Boika Sokolova (Bloomsbury, 2021).

Janice Valls-Russell is a principal research associate, employed by the French National Centre for Scientific Research (CNRS) and a member of the Institute for Research on the Renaissance, the Neo-classical Age and the Enlightenment (IRCL, UMR5186 CNRS), a joint research unit of the CNRS and the University of Paul Valéry Montpellier 3. She is interested in the classical reception in early modern England, and the present-day reception of Shakespeare and his contemporaries. The author of articles and book chapters, she is project coordinator of www.shakmyth.org and has co-edited several collections, including Interweaving Myths in Shakespeare and His Contemporaries, with Charlotte Coffin and Agnès Lafont (Manchester University Press, 2017), Thomas Heywood and the Classical Tradition, with Tania Demetriou (Manchester University Press, 2020) and Shakespeare’s Others in 21st-century European Performance: The Merchant of Venice and Othello, with Boika Sokolova (Bloomsbury, 2021).

 

 

Nathalie Vienne-Guerrin (IRCL, UMR 5186, CNRS / Université Paul-Valéry Montpellier 3)

Introduction

Résumé
Cette introduction contextualise la publication de ce numéro et en présente les dix contributions.

Abstract
This introduction contextualises the publication of this issue and presents its ten contributions.

Nathalie Vienne-Guerrin est Professeure à l’Université Paul-Valéry Montpellier 3 et membre de l’Institut de Recherche sur la Renaissance, l’âge Classique et les Lumières (IRCL, UMR5186 CNRS). Elle est spécialiste de la mauvaise langue dans le monde de Shakespeare et de Shakespeare à l’écran. Elle a publié notamment The Unruly Tongue in Early Modern England, Three Treatises (Fairleigh Dickinson, 2012). Elle est l’auteure de Shakespeare's Insults: A Pragmatic Dictionary (Bloomsbury, 2016) et son ouvrage The Anatomy of Insults in Shakespeare’s World est en cours de publication (Bloomsbury, 2022). Elle co-dirige avec Sarah Hatchuel, la collection ‘Shakespeare on Screen’ (Cambridge University Press). Elle est co-directice de la revue internationale Cahiers Elisabéthains (Sage) et de la revue Arrêt sur Scène / Scene Focus (ASF). Elle préside la European Shakespeare Research Association (ESRA) depuis juillet 2021.

Nathalie Vienne-Guerrin is Professor at the University of Paul Valéry Montpellier 3 and a member of the Institute for Research on the Renaissance, the Neo-classical Age and the Enlightenment (IRCL, UMR5186 CNRS). She specialises in the study of Shakespeare’s evil tongues and Shakespeare on screen. She published The Unruly Tongue in Early Modern England, Three Treatises (Fairleigh Dickinson, 2012). She is the author of Shakespeare’s Insults: A Pragmatic Dictionary (Bloomsbury, 2016) and her Anatomy of Insults in Shakespeare’s World is forthcoming (Bloomsbury, 2022). She is co-editor, with Sarah Hatchuel, of the Shakespeare on Screen series (Cambridge University Press). She is co-editor-in-chief of the international journal Cahiers Elisabéthains (Sage) and of the journal Arrêt sur Scène / Scene Focus (ASF). She has been president of the European Shakespeare Research Association since July 2021.

 

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